Museo del Palacio de Bellas Artes | LA INUNDACIÓN DEL COLOR





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LA INUNDACIÓN DEL COLOR


En 1896, Kandinsky llegó a Múnich con la intención de formarse profesionalmente como artista, pues en aquella época la ciudad bávara era una de las principales capitales artísticas de Europa. Fue aceptado en los reconocidos talleres de Anton Ažbe y Franz von Stuck, pero decidió abandonar rápidamente su instrucción oficial, ya que la rigidez académica cuestionaba sus impulsos artísticos en tanto que criticaban constantemente la elección “exuberante” de su paleta de colores.


Con el propósito de ampliar sus horizontes cromáticos y poder desencadenar sus concepciones musicales del color, Kandinsky se apegó a un estilo de vida predominantemente nómada. Sus constantes viajes no sólo fueron una fuente de inspiración para la producción pictórica de los paisajes naturales, sino que también le permitieron acercarse y asimilar las últimas tendencias plásticas de los más importantes centros artísticos de Europa.


En 1909 un Kandinsky más maduro, decidió instalarse en Murnau, un pequeño pueblo a 30 km de la ciudad. Este periodo fue clave dentro de la carrera del pintor, pues todos esos viajes extenuantes desembocaron en una vasta producción artística. La saturación de colores en grandes zonas pictóricas provocó que los motivos figurativos desaparecieran en sus composiciones y un expresivo estilo abstracto comenzó a florecer.


Esta sección resalta, a partir de un conjunto de pinturas de paisajes producido entre 1898 y 1914, la progresiva liberación del color que fue la clave para arribar a la abstracción en la obra del artista.

LAKE O UNA GITA IN BARCA

[LAGO]

(LAGO O UN VIAJE EN BARCA

[LAGO])

1910

ÓLEO SOBRE TELA

97.5 X 106.5 CM

The State Tretyakov Gallery

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Lago es una de las obras más brillantes y enigmáticas de Kandinsky. Delimitado por un paisaje, el lago surge de una ola poderosa que explota en un rayo blanco y azul, y amenaza con estrellarse sobre los remeros y sobre la torre del castillo, que se asemeja también a un faro.

La expresión de la pintura semi-abstracta transforma el lienzo en una metáfora romántica de elementos libres que enloquecen. Ésta permite una libertad de interpretación, apelando a las ideas generales sobre el arte que la pintura había formulado en la misma época, tal como Kandinsky lo explica en De lo espiritual en el arte: “El desarrollo del arte […] está constituido por destellos repentinos, comparables a un rayo, de explosiones, parecidas a fuegos artificiales brillando en lo más alto del cielo. […] Estos destellos que desgarran a la obscuridad nuevas perspectivas, en una luz cegadora […]”.

IMPROVISATION 7

O IMPROVISATION 7 [STORM]

(IMPROVISACIÓN 7

O IMPROVISACIÓN 7

[TORMENTA])

1910

Óleo sobre tela

131 x 97 cm

The State Tretyakov Gallery

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Al describir las nociones de naturaleza “exterior” e “interior” en su libro De lo espiritual en el arte, Kandinsky postuló una serie de conceptos que desarrollaría en sus obras a partir de ese momento: Impresiones, Improvisaciones y Composiciones.

El artista explicó acerca de las Improvisaciones: “[…] Expresiones principalmente inconscientes y en gran parte problemas de procesos de carácter interior, por lo tanto son impresiones de la “naturaleza interior”. Yo llamo a ese género Improvisaciones […]”. Su carácter es intermedio entre la Impresión, que es percibida desde el exterior, y sus Composiciones, que son una expresión pura de la interioridad del artista. Esta noción marcó una nueva etapa en la búsqueda de una unidad en el imaginario pictórico de Kandinsky.

En el cuadro Improvisación 7 desarrolla la fuerza explosiva del dinamismo del campo cromático, donde las manchas de colores colisionan unas con otras. La figura pierde importancia y empieza a alejarse de la figuración, aunque se distinguen vagamente algunas representaciones de siluetas, barcas y olas en medio de un diluvio.

Habiendo ejercido una gran influencia en sus contemporáneos (sobretodo en Franz Marc), las Improvisaciones de Kandinsky se convirtieron en un punto de partida para reunir a futuros miembros de El jinete azul.

GRABADO PARA EL ALMANAQUE

“DER BLAUE REITER”

[EL JINETE AZUL

O IMPROVISACIÓN 7

1914

GRABADO EN MADERA (ELECTROTIPO)

IMPRESO SOBRE TABLA ENVUELTA EN LINO

27.94 X 21.11 CM

LOS ANGELES COUNTY MUSEUM OF ART

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El jinete azul se ha relacionado con la pintura epónima de Kandinsky que hizo desde 1903. Los planes para la publicación de un “almanaque o anuario” se remontan al verano de 1911.

Originalmente fue concebido por Kandinsky, la idea fue motivada por Franz Marc y después se incluyeron otros artistas como August Macke y Gabrielle Münter. La publicación inició como un material etnográfico con el fin de escribir el ensayo Maks (Máscaras).

Der Blaue Reiter Almanac apareció en Mayo de 1912 bajo la bandera de la firma R. Piper & Co, de Munich, en una edición de 1100 copias. Este fue dedicado a la memoria de Hugo von Tschudi, el recientemente fallecido director de la Bavarian State Collections, quien le había dado no solamente su apoyo para el Almanaque, sino también para la primera exhibición de Blaue Reiter. Se hizo un énfasis considerable sobre el material ilustrativo, el volumen final incluía más de 40 reproducciones, al igual que 14 artículos principales, una sorprendente proporción de lo que se refiere a la música más que a la pintura. También hubo un “suplemento” musical, con facsímiles de escenarios cortos de Schönberg, músico y amigo de Kandinsky. Rápidamente agotado, una nueva edición del almanaque fue publicada en 1914, para lo cual Kandisnky y Marc proporcionaron cada uno un nuevo prólogo. Los planes para un segundo volumen permanecieron sin realizarse debido al estallido de la guerra.

Kandinsky contribuyó con tres textos principales para el Blaue Retier Almanac: sus artículos On the Question of Form y On Stage Composition, y su obra Yellow Sound.